arquitectura del siglo xx

La arquitectura del siglo XX está dominada por el funcionalismo. No se trata de un movimiento artístico, sino de un principio estético racionalista que se manifiesta en obras adscritas a diferentes tendencias. Se enraíza en planteamientos muy antiguos de la cultura occidental y queda definido de forma sencilla en palabras de Louis Sullivan (1896): "La forma siempre sigue a la función". Como es obvio, el funcionalismo se desarrolló sobre todo en los campos del diseño y la arquitectura, puesto que en ambos la "función" de la obra marca necesariamente la forma.

En el siglo XX los problemas del hombre actual son nuevos y por ello sus necesidades también, sin antecedentes referenciales. Ante todo se revisa el verdadero significado de la arquitectura y a partir de este momento no podrá juzgarse suficientemente una obra si no la visitamos en su interior. Esta nueva estética radica en la función. Si el edificio está armoniosamente distribuido en su interior, si está integrado en el entorno, si resulta grata su habitabilidad, el edificio es bello. Desligados del compromiso del pasado, los arquitectos de este siglo manejan los volúmenes y los espacios con criterios absolutamente distintos producto de los nuevos materiales y de las nuevas necesidades.

EL RACIONALISMO.El movimiento denominado Racionalismo agrupa las más fuertes personalidades de este siglo; su obra y su teoría son individuales pero tienen el denominador común de la simplicidad de las formas, la forma sigue a la función:• Usa materiales altamente industrializados especialmente el hormigón armado. Es un material barato, adaptable, incombustible, anticorrosivo y que permite la construcción en esqueleto dejando la planta libre. Además permite la pre fabricación en serie. Se alterna con otros como acero, cristal o ladrillo.
• El muro no es soporte, quedando reducido a una ligera membrana de cerramiento con gran número de ventanas que proporciona a los interiores luz y aire. Los soportes son pilares de diferente sección de acero y hormigón. Las cubiertas en general son adintelados apoyando en los soportes con los que forman el esqueleto, consiguiendo un efecto ligero e ingrávido de gran audacia constructiva.
• Los elementos decorativos desaparecen a favor de la forma recta y desnuda. Hay una gran preocupación por la proporción, la simplicidad y la a simetría. El espacio interno se basa en la planta libre con paredes interiores que se curvan y mueven libremente adaptándose a las diferentes funciones. En los exteriores los voladizos, los bajos libres y las terrazas en horizontal definen la nueva imagen.
• Hay un gran interés por los temas urbanísticos ya que tratan de acomodar a los hombres al nuevo ritmo de vida y organizar sus agrupaciones, proponiendo nuevas fórmulas como la ciudad-jardín de Howard o la ciudad industrial de T. Ganier. Los edificios más representativos son las viviendas sociales, en especial rascacielos de viviendas, construcciones industriales, edificios administrativos, teatros, salas de conciertos y estadios deportivos.

El Protorracionalismo de Adolf Loos: La mayor parte de sus obras fueron para la ciudad de Viena. Estaba totalmente en contra de la ornamentación de la arquitectura. Esta ha de ser según él, utilidad, y sus formas y volúmenes han de estar en relación con el ser humano.
Peter Brebens es, ante todo un arquitecto de fábricas como la AEG o la de turbinas de Berlin. Aprovechó las máximas cualidades de de los diferentes materiales para conseguir la máxima economía y simplificación, sin reñir con la estética.
Auguste Perret representa el racionalismo en Francia, y es el autor de la Casa Franklin de París (1902), en la que se sirve de cemento armado y cristal, igual que Tony Garnier que presentó una ciudad industrial para 35.000 habitantes a base de los mismos materiales. Su obra se sitúa en utopías socialistas de Owen y Fourier.

LA BAUHAUS, fundada por W. Gropius en Alemania como centro pedagógico y experimental de arquitectura y diseño. Aunque entra en decadencia en 1930, ejerce una enorme influencia que crece al emigrar sus componentes a otros países de Europa y EEUU. Walter Gropius: su primera obra importante fue la Fábrica Fagus (1911) concebida como una hermosa combinación de hierro y vidrio, pero su gran obra es el edificio Bauhaus en el que colaboraron tanto profesores como estudiantes. La planta está formada por tres brazos que se extienden con libertad y multiplica los puntos de vista. Los muros son de cemento armado y vidrio.
Mies van der Rohe. La primera obra de este autor que podemos considerar revolucionaria data de 1919: el edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, tres torres unidas en el centro en el que se situaron escaleras y ascensores. Entre 1923 y 1924 proyecta dos casas de campo y en 1929 el pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona, en el que demuestra que su arquitectura se fundamenta en el adecuado manejo de los materiales modernos, en los volúmenes nítidos y en el empleo del muro cortina que sustituye al muro tradicional. Emigrado a EE.UU. construye un gran número de rascacielos que parecen grandes cajas de cristal, en los que se percibe la devoción del arquitecto por las formas puras.

Le Corbusier: nace en Suiza, aunque la mayor parte de su obra se desarrolla en Francia. Aprende con Perret el uso del hormigón armado. Uno de sus primeros proyectos es la casa de Domino, en la que se contempla la posibilidad de su construcción en serie.
Funda junto a su Primo J. Jeanneret y Ozefant un estudio del que salen propuestas urbanísticas: ciudades para tres millones de habitantes. En 1926 realiza una de sus obras más conocidas, la Villa Savoya, que consiste en una estructura de hormigón armado encalada de inspiración mediterránea que se fundamento en los cinco puntos en los que se resume su arquitectura:
-Empleo de pilotis: A modo de pilares para que la estructura quede sustentada y separada del suelo quedando un espacio transitable.
-Fachada libre.
-Terraza jardín: factible gracias al uso de hormigón que facilita la construcción de techos planos.
-Multiplicación infinita de los vanos: ventanales corridos divididos por varillas metálicas.
-La planta libre: al variar la función del muro, las plantas son mucho más diáfanas.
En su tratado de 1935, Le Modulor, recoge todas sus propuestas urbanísticas. Es un teórico, pero no utópico, ya que la mayoría de sus propuestas se aplican en las obras. Una de sus aplicaciones inmediatas fue la Unidad de Habitación de Marsella (1946-52), conjunto destinado a familias obreras, habitable y a bajo precio. Hacia 1950 se suaviza su Racionalismo y se aproxima al Organicismo expresado en su obra maestra, la iglesia de Notre-Dame du Haut en Ronschamps.
.

LA ARQUITECTURA EN LOS AÑOS 50  La nota que mayor define la arquitectura a partir de estos años es la diversidad.
Aparecen arquitectos como Le Corbusier, que interpretarla arquitectura como si de un objeto escultórico se tratase. Es el caso de P. Luigi Nervi que basará sus creaciones en tres aspectos: La cúpula esférica, la bóveda cilíndrica y los pilares inclinados en forma de Y. En esa línea están Félix Candela, nacido en Madrid, pero avecindado en México, donde realizó la mayor parte de sus obras.
Jørn Utzon, nacido en Copenhague es el autor de la Opera de Sydney (iniciada en 1957). Edificio realizado con cascarones de hormigón prefabricados superpuestos unos sobre otros que avanzan hacia la bahía.
Alvar Aalto (1898-1976), Finlandia que funde en sus obras el espíritu racionalista con la tradición popular y los materiales tradicionales, preferentemente de madera. Son edificios cálidos y adecuados a la dimensión del ser humano, en los que se percibe la influencia de Wrygt

LA ARQUITECTURA DE LOS AÑOS 60
Son tiempos de revoluciones utopías y propuestas, dentro de las que sobresalen los arquitectos japoneses, los más creativos e innovadores del momento.
El urbanismo experimenta cambios extraordinarios. Una de las propuestas más significativas es la del grupo Archisgram, de origen inglés, procedente de la estética Pop y del mundo del cómic, que llegó a discernir una ciudad que podría moverse gracias a las patas de las casas que semejan grandes naves espaciales.
Uno de los arquitectos más interesantes es Kenzo Tange, que junto a Korokawa y Arata Isozaki, representan lo que se ha venido denominando Metabolismo, que se fundamenta en:
-Mega estructuras: torres formadas por diversas células con un eje central.
-Vigas voladizas, elementos horizontales volados.
-Mallas colgantes
-Edificios como cajas cúbicas.
En este tiempos se sigue desarrollando la tecnología sísmica para dotar de mayor estabilidad a los rascacielos, cúpulas geodésicas, etc.

rascacielos del siglo xx

la musica

la música

el termino música tiene su origen del latín musica que a su vez deriva del termino griego mousike y que hacia referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la advocación de las musas de las artes.   

puede decirse que la musica es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una organizacion. la musica,en definitiva,consiste en combinar sonidos y silencios.los sonidos,a su vez pueden ser infinitos, ya que es posible trabajar con innumerables variaciones de duración, intensidad,altura o timbre.

La música es una de las expresiones más fabulosas del ser humano ya que logra transmitir de manera inmediata diferentes sensaciones que otras formas de arte quizás no pueden. La música es un complejo sistema de sonidos, melodías y ritmos que el hombre ha ido descubriendo y elaborando para obtener una infinidad de posibilidades diferentes.   

La música es un arte que acompaña la vida del ser humano desde los comienzos de la historia. Según explican ciertas teorías su origen tuvo lugar a partir de intentar imitar los sonidos que existían en la naturaleza y sonidos provenientes de la parte interna del ser humano, como el latido del corazón. Los descubrimientos que se han hecho en torno a este arte demuestran que ya existían conceptos de armonía en la música de la prehistoria.

Con el paso del tiempo se desarrollaron cientos de teorías para explicar el sentido de la música, lo que nadie puede explicar con certeza es qué tienen los sonidos que pueden tocarnos el sistema nervioso y emocionarnos a puntos que ninguna otra cosa puede hacerlo. La música tiene por ende mucho de misterio, de magia, y presenta para nosotros un mundo que no somos totalmente capaces de comprender pero al que llegamos una y otra vez de forma irremisible.

la musica en la prehistoria 

durante la Prehistoria los datos no pueden ser extraídos de los documentos escritos, es necesario encontrar otras fuentes de información de las que poder sacar datos que nos permitan llegar a algunas conclusiones acerca de cómo era la música en la Prehistoria. Esta fuentes de información para el estudio de la música en la Prehistoria son: 
1. Los instrumentos musicales encontrados.
 2. Las pinturas rupestres.
 3.Las tribus actuales que continúan viviendo en la prehistoria.

PIENSA CÓMO PUDO SER LA MÚSICA EN LA PREHISTORIA Muchos de los instrumentos musicales de la Prehistoria son simplemente elementos cotidianos de la vida diaria de estos hombres. Empezando por la voz humana y siguiendo por los huesos, los arcos, los raspadores, el hombre veía música allí donde algo sonaba. No en vano, la música no es más que el arte que se dedica a ordenar los sonidos con una intención artística.
La música nace como expresión del hombre enraizado en su tiempo, en la mentalidad y los problemas del período histórico en que vive. Por esta razón, cada época y cada lugar tienen diferentes músicas y distintos gustos musicales. Un ejemplo son las bandas sonoras de películas pertenecientes a países muy alejados del que vivimos: hay en ellas melodías, timbres e instrumentos muy distintos a los que estamos habituados. Por este motivo, nuestro recorrido histórico no se limitará a las expresiones musicales del mundo occidental, dado que el estudio y el análisis de las creaciones musicales pertenecientes a otras culturas requieren una sensibilidad que les es extraña a los occidentales y sin la cual no es posible apreciarlas ni comprender las.

antiguo Egipto y mesopotamia

Mesopotamia y Egipto fueron las dos grandes cunas de la civilización occidental, incluso en el campo de la música. El pensamiento griego obtendrá de ellas las bases para elaborar sus propios conceptos sobre la música.

Las incrustantes y bajorrelieves de la civilización sumeria (3000-2000 a.a. C.) testimonian, también en ella, el estrecho vínculo entre música y religión. Así, el canto, con frecuencia acompañado por instrumentos, formaba parte de la liturgia y de las prácticas mágicas. Los custodios de la música, definida por los sumerios como cantilena (kalutu), eran sacerdotes, matemáticos y astrólogos; con el correr del tiempo se fueron elaborando textos rituales cada vez más ricos y variados, organizándose de tal modo que los salmos y los himnos se sucediesen según las finalidades de la plegaria. Los bajorrelieves documentan la existencia de una viva actividad de la música profana: en ellos se representan escenas de fiestas, ceremonias y banquetes amenizados por músicos y bailarinas. Los sumerios cantaban y bailaban, ya sea para conquistar el favor de los dioses, ya en los diversos momentos de la vida social. Los asirios y los babilonios, por su parte, aplicaron a la música sus estudios de astronomía y matemáticas -por los que se hicieron merecidamente célebres- y crearon así los presupuestos de la concepción cosmológica de la música elaborada por el filósofo y matemático Pitágoras, paso que resultará definitivo para la formación del pensamiento musical en Occidente.

la musica en la edad media

La Edad Media (del V al XV) fue un periodo en el que se dio un gran desarrollo. Se divide en tres partes: alta, plena y baja edad media. En la primera hubo un gran vacío musical debido a que las regiones estaban separadas, cada una tenía sus leyes y las guerras eran constantes. Además el Imperio romano había provocado aislamiento entre ellas. La única estabilidad venía por parte de la Iglesia donde si que se dio cultura musical. El papa aprovechó esta inestabilidad y aplicó su ideal de evangelización y expansión. La música fue tomada para cohesionar los pueblos, fue el único punto en común entre estos. Su función era servir a las celebraciones litúrgicas, alabar a Dios

• música religiosa: 

El canto gregoriano.-finales del VI, su creador es Gregorio el Magno (590-604) lo crea transformando el canto conocido anteriormente: recogió las melodías cristianas más importantes, compuso unas nuevas y estableció como debían ejecutarse. Este canto inspiró a la música europea posterior. Su ritmo al principio se unió al ritmo de las palabras, después adquirió importancia y fue variándose con algunos ornamentos, su forma siguió siendo en prosa. Este canto es a una sola voz, todos cantan la misma melodía sin instrumentos acompañando: Homofonía.

Evolución: es muy lenta. Se agrega un acompañamiento cantado y muy rudimentario (segunda voz) y más tarde una tercera y una cuarta que provocaron la aparición de la polifonía.

La Melodía: Se halla en la parte superior de la obra y es la que capta inmediatamente nuestra atención. Esta tuvo su origen en las inflexiones naturales del lenguaje hablado. En todo discurso aparecen dos elementos constituyentes de la melodía: variación de altura (notas más graves y más agudas) y ritmo (mayor o menor fuerza). Las primeras no tenían armonía ni en el acompañamiento, pero más tarde (XVI) se dan melodías formadas armónicamente y que son acompañadas por acordes.

• la musica profana: 

Para las gentes que no viven en los monasterios. Música profana con ritmos de baile y canciones con letras amatorias, que se manifiestan en los castillos feudales.

Trovadores y Juglares:

Trovadores y troveros.-(XI-XIII) Eran una especie de poetas y músicos. Hombres de alta cultura instruidos en escuelas monásticas o episcopales. Los trovadores usaban el lenguaje provenzal y vivían al sur de Francia, destaca Guillermo de Poitiers. Los troveros usaban el francés y vivían en el norte y centro, destaca Ricardo Corazón de León.

El ritmo de estas canciones depende de los versos de la poesía y el idioma de cada región. Cultivaron especialmente la lírica y su tema principal es el elogio a la mujer, pero también el heroísmo, la grandeza de los príncipes y el orgullo nacional. La forma de interpretación era cantando. Se da el acompañamiento con instrumentos de cuerda, generalmente la viola y el arpa. A los trovadores en Alemania se les denominó minnesinger y a los troveros meistersinger.

Juglares.-se dan en todos los países y épocas. Se denomina así a los artistas públicos que entre sus huestes contaban con alegre mescolanza a los actores, domadores de osos, adivinos, acróbatas…Estos fueron acusados varias veces por la iglesia, sin embargo los juglares músicos eran bien recibidos en los castillos y monasterios.

la musica en el renacimiento

El término Renacimiento no es aplicable a la música como a otras artes, ya que la música de los siglos XV y XVI ni supuso una ruptura con la tradición musical anterior, ni significó un intento de hacer renacer formas procedentes de la antigüedad clásica. En ese tiempo se produjeron novedades importantes y el espíritu culto, e interesado por las artes, del Humanismo fomentó el desarrollo de la música, pero no puede hablarse de un Renacimiento musical propiamente dicho.

En términos generales puede decirse que los siglos XV y XVI supusieron el triunfo definitivo de la polifonía frente a la música monódica de la época medieval. En esta época desaparecieron algunos de los instrumentos del periodo gótico y pervivieron, sobre todo, aquellos que mejor se adaptaban a la polifonía. Predominaron los instrumentos de teclado y de cuerda, como el órgano, el clavecín, el laúd y la vihuela (de origen español) lo que facilitó la consagración de la música como acompañamiento de sus composiciones (los trovadores se acompañaban de instrumentos de cuerda).

• Durante el Ars Nova (siglo XIV) y el siglo XV, la polifonía franco-flamenca alcanzó niveles de virtuosismo increíbles. Los autores llegaron a mezclar textos profanos, obscenos y religiosos en la misma composición aprovechando la confusión sonora y el mayor número de voces. Surge un hedonismo del sonido en detrimento de la palabra.
• La vida musical se enriquece en torno a las capillas eclesiásticas y palaciegas (mecenazgos).
• Los músicos viajan por Europa para adquirir nuevos conocimientos.
• Se crean escuelas nacionales con características distintivas entre ellas.
• En el siglo XVI el estilo se simplifica siguiendo las ideas de Trento y se aboga por la inteligibilidad del texto.

 MÚSICA RELIGIOSA

• MISA

• Existen varias formas de componer misas:

• Recurriendo al contrapunto imitativo entre las voces.

• Utilizando un cantus firmus o melodía preexistente como inspiración.

• Misa parodia

• MOTETE : En el Renacimiento es cualquier pieza religiosa independiente de la misa. Proviene del organum melismático, cuando a la nueva voz se le añadió texto (mot) para recordar la melodía.

• El motete va evolucionando desde 3 voces hasta 5 o 6 en el siglo XVI.

• El texto del motete procede, por lo común, de la liturgia. Sin embargo, en el siglo XVI no es de carácter exclusivamente sagrado.
• 
  
• MÚSICA PROFANA

• EL MADRIGAL ITALIANO utilizaba poesía más elevada y severa que la de la frottola y a menudo pertenecía a un gran poeta como PETRARCA .

• ORAZIO VECCHI (1562-1605). Su importancia estriba en haber dado a sus Madrigales un argumento dramático que se desarrolla entre varios personajes, como ocurre en su Amfiparnaso . En principio es un procedimiento un poco ingenuo, ya que cada personaje no se expresa de forma individual, sino a través de las distintas voces de la polifonía, pero es un primer paso.

• CLAUDIO MONTEVERDI (1567-1643). Es el representante más destacado. Se encuentra entre el Renacimiento y el Barroco. En sus libros de madrigales crea auténticas obras maestras, donde cada matiz literario está realzado por la música.

• La evolución del madrigal italiano en el siglo XVI pasó de lo meramente descriptivo hacia lo dramático. La variedad de textos que admitía, lo flexible del género, lo variado de su ritmo y lo manejable de sus posibilidades expresivas hicieron del Madrigal la forma favorita de los músicos del siglo XVI.
• 
  

el barroco 

El siglo de XVII se construyó obviamente en la música del siglo precediendo, en eso consistió en primero perfeccionar lo que los amos del Renacimiento habían hecho, y entonces introdujo nuevas formas de música (ópera, oratoria, concierto, la sonata).

El primer país para considerar cuando examinando la historia de música barroca es Italia. Todas las nuevas formas se levantaron allí.

El deseo de imitar el coro griego llevó al concepto de ópera. Nació en Italia alrededor de 1600, y es una parte grande de la evolución del estilo vocal secular. Algunos compositores, como Caccini, empezaron a cambiar el papel de la voz para aumentar expresión personal y fidelidad al poeta, en tragedia así como la comedia.

En estos trabajos, los autores se anticiparon el futuro sorprendiendo usando los efectos armónicos. Ellos constituyen la frontera entre el Renacimiento y las eras Barrocas.

Monteverdi, aun cuando no el primero en componer una ópera, era ciertamente el amo que arregló ese género, sirviendo como la base para todos los compositores de la ópera subsecuentes. Entre 1607 y 1642, la evolución de este género se puso irreversible, y influiría en toda la música compuesta después. La expresión, el eslabón entre el texto y música, se pone al frente.

Tres Compositores

Del Barroco

Francois, Couperin:(1668-1733). Compositor, organista y clavicordista francés, miembro de una dinastía de compositores que se extendió a lo largo de los siglos XVII y XVIII. Fue maestro de clavicordio en la corte y organista de Saint Gervais. Sus composiciones combinan suites de danzas con piezas de género dentro de un estilo ornamentado, pero de buen gusto. Se entre los franceses que promovieron la escritura musical para teclado.

Claudio, Monteverdi:(1567-1643). Compositor, cantor y violinista italiano que considerado el creador del drama musical. Sus óperas, madrigales y canzonettes aportaron nuevas posibilidades armónicas, mayor flexibilidad en la vida melódica y un mayor uso del cromatismo. Fue uno de los primeros en introducir la monodia. Es autor de Orfeo; el retorno de Ulíses y la Coronación de Popea. Fue maestro de la iglesia San Marcos, de Venecia.

Antonio, Vivaldi:(1678-1741). Compositor y violinista italiano, uno de los maestros italianos del periodo clasico del violín; influyó notablemente en la evolución del concierto de ese instrumento como ejecución para solista. Tuvo a su cargo el Conservatorio de la Pieta de Venecia. Es autor de sonatas para violín y para violonchelo, de unos 45 concerti grossi,de óperas y de música religiosa.

el cine

el cine

 se llama cine o cinematografía a la tecnología que reproduce fotografías de forma rápida y sucesiva, creando la ¨ilusión de movimiento¨¨; es decir, la percepción visual de que se asiste a imágenes que se mueven.

en el año 1995, el cine cumplió cien años, luego de que un 28 de diciembre de 1895 los hermanos lumiere proyectaran el primer film que reproducía la salida de los obreros de una fabrica francesa en lyon desde entonces, el cine ha atravesado diferentes periodos: 

desde la etapa muda hasta el comienzo del cien sonoro; desde el cine no narrativo hasta el cine de géneros, y así en adelante.

hoy el cine ha desarrollado una teoría que lo emparenta con otras artes como la literatura , la pintura y la fotografía es considerado como el [ el séptimo arte ].

características del cine en el siglo xx 

• George Méliès creó los efectos especiales simulando la magia.
• Surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa.
• Los filmes eran cortos, con temas simples, y de producción barata.
• La técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relato.
• Surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos.

Hollywood y el Star System:

En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, gracias al cine mudo. Por causas judiciales los productores independientes emigraron hacia Hollywood ya que permitían un buen rodaje debido a su buen clima. (Fox, Universal, Paramount) controlados por (Darryl F. Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn) se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox (de la antigua Fox) y Metro-Goldwyn-Mayer.

Cine mudo en Europa :

• El cine mudo es aquel que no posee sonido grabado y sincronizado, referido especialmente a diálogo hablado, consistiendo únicamente en imágenes Se basó en el monopolio del celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominaron los mercados internacionales. Así, nació el cine cómico francés, con André Deed y Max Linder o el colossal italiano fueron la escuela donde aprendieron Charles Chaplin, o David W. Griffith. Tras la guerra nació el expresionismo con una estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de postguerra.

Cine sonoro: 

El cine sonoro es aquel en el que la película incorpora sonido sincronizado, o sonido tecnológicamente acoplado con imagen.Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposición Universal de París de 1902. En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado por el ingeniero Lee de Forhest, quien resolvió los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película. No obstante, por falta de financiación el invento se postergó hasta 1925, año en que la compañía Western Electric apostó por él. En el año 1927 nacieron los estudios Warner Bros. La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical & quot;Cantando bajo la lluvia & quot; (1952).

géneros cinematográficos


es una forma de clasificar a las películas en grupos. cada genero comparten grandes similitudes ya sea su estilo, temática, su intencionalidad, su forma de formación o el publico  al que va dirigido.

• cine comercial: creadas por las industrias cinematográficas dirigidas al publico, esta categoría pertenecen la mayoría de las películas que se proyectan en las salas de cine, y algunas de ellas son promocionadas mediante grandes campañas de publicidad.

• cine de animación: es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación.  el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos , modelos, objetos y otras múltiples técnicas, como el stop motion ), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento.

• el cine documental: es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde documental  con reportaje, siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.

• cine experimental:  es aquél que utiliza un medio de expresión más artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.

• cine independiente : es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no  de autor , mientras que el cine independiente lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser considerada independiente.